AES+F: Mundo invertido o, ¿qué sabemos sobre la belleza?

Uno de los grupos artísticos rusos más conocidos es AES+F, pero no solo en Rusia, sino en el mundo entero. Han realizado exposiciones de artistas en Francia, Italia, Alemania, Estados Unidos, Nueva Zelanda, China…, por todo el mundo. El nombre del colectivo creativo es una abreviatura formada por las primeras letras de los apellidos de sus miembros: Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky y Vladimir Fridkes. El pasado año 2015, el grupo AES+F presentó en el programa paralelo de la Bienal de Venecia su nuevo proyecto “Inverso Mundus” o (Mundo invertido), creado con el apoyo de Blavatnik Family Foundation (Estados Unidos), Faena Art Foundation (Argentina) y en colaboración con Fortuny (Italia-EE. UU.), PhotoFactory (Rusia) y Triumph Gallery (Rusia). Y justamente con este proyecto es con el que vinieron a Barcelona con su exposición personal, que se llenó a cabo en la galería Senda desde el día 27 de mayo al 2 de julio. Al trabajar en distintos géneros, pero sobre todo con las instalaciones de vídeo y cuadros, collages digitales, en su nuevo proyecto AES+F interpreta situaciones absurdas de los carnavales medievales para ilustración del mundo moderno, cuestionando la inviolabilidad de los valores establecidos. Unos días antes de la inauguración de la exposición Revista Rusa se ha encontrado con los artistas para hablar de sus caminos creativos, objetivos, el amor por Barcelona y la belleza.

AES+F

Este colectivo creativo lleva existiendo desde finales de los años 1980. ¿Qué es lo que ha motivado para la creación del grupo?

Nos ha invitado el reconocido director Anatoli Vasiliev para que hagamos una publicidad singular, un álbum conceptual para su primera gira en el extranjero acompañado de un destacado espectáculo “Serso” de Víctor Slavkin, que habla de varias generaciones de una familia rusa, comenzando desde la época anterior a la revolución. Puesto que ni yo (Lev Evzovich) ni Tatiana, nunca fuimos poligrafistas, llamamos a Evgeny Svyatsky para la realización conjunta de este proyecto. Acabamos creando una serie de carteles que lucían como las páginas de un álbum familiar y gracias a Evgeny esta historia cobró vida. A pesar de estar hechos en aquel nivel técnico anterior a la era informática. Muchos de los elementos en esa época se creaban manualmente, y nosotros deliberadamente pusimos énfasis en ello. La publicidad del espectáculo fue nuestra experiencia conjunta. Y así es cómo se creó el grupo AES. A mediados de los años 1990 comenzamos trabajando en el campo de la fotografía. Es entonces cuando se unió a nosotros el fotógrafo Vladimir Fridkes (en 1995), y el grupo pasó a llamarse AES+F.

Por favor, háblenos acerca de los participantes del grupo. ¿Qué función desempeña cada uno de los representante de su asociación?

Desempeñamos roles distintos, sobre los que no hablamos. Lo más curioso es que todas las ideas no necesariamente nacen sincrónicamente en los cuatro, aunque eso también ocurre, sino que se discuten y se mejoran conjuntamente. Cada uno de nosotros puede hacer algo mejor que el otro. Pensamos que precisamente gracias a esto aún no nos hemos separado ni peleado, porque cada uno se dedica a hacer lo que más quiere. Y todas las decisiones radicales las tomamos juntos. Aunque a veces bromeamos sobre que a los cuatro nos viene el mismo sueño, y con este sueño comenzamos a trabajar en un nuevo proyecto.

¿En qué géneros trabajan? ¿Existe algún género en que le sea más agradable trabajar?

A lo largo de los últimos años, sobre los escenarios internacionales se nos conoce como autores de proyectos de vídeo de gran formato, se puede decir, vídeoinstalaciones multimedia. Aunque también trabajamos con pinturas, esculturas… No se puede decir que los llamados nuevos proyectos multimedia son el único medio en el que se basa el concepto de nuestro trabajo. Nos importan tanto los medios tradicionales como los nuevos, si permiten expresar ideas.

¿Y qué hay de las nuevas tecnologías e internet? ¿Le ayudan en tu trabajo?

Las tecnologías de la informática, por ejemplo, nos ayudan a crear un tipo de montaje que solo nos atañe a nosotros, el movimiento de los personajes, la animación de las fotografías, puesto que, básicamente, empleamos la fotografía y no el vídeo. Aunque para expresar una idea, la escultura clásica en bronce, y no una creada en 3D, se adapta mucho mejor. En cualquier caso, las nuevas tecnologías acompañan inevitablemente a la creatividad moderna. Aunque todo puede comenzar con un simple dibujo a mano, un esbozo, el ordenador entra en juego rápidamente, y con su ayuda se lleva a cabo la modificación de los esbozos.

Vamos a hablar de su gran éxito internacional. En el año 2007 presentaron por primera vez a Rusia en la Bienal de Venecia. ¿Qué significado tuvo este acontecimiento para ustedes?

Efectivamente, presentamos por primera vez a Rusia en el pabellón ruso de la Bienal en el año 2007, lo cual tuvo una gran importancia para el futuro de nuestra carrera. Gracias a ello el proyecto Last Riot (la última rebelión) ganó gran popularidad. Además, nuestra creatividad fue muy bien acogida en Venecia.

Desde entonces, las retrospectivas de sus obras fueron presentadas en importantes museos rusos, y muchos museos alrededor del mundo comenzaron a invitarlos para celebrar exposiciones. ¿Han notado alguna diferencia, por ejemplo, entre el público ruso y el europeo?

Tal vez esa diferencia exista, pero no es relevante para nosotros. Nuestro tipo de público es similar en los diferentes países. Nuestros espectadores en Rusia y espectadores en Europa, China o Estados Unidos se parecen más entre sí que, por ejemplo, nuestros no espectadores en Rusia. Es decir, se trata de personas que se interesan por el arte contemporáneo, y comprenden lo que es la cultura global y no solo la nacional, personas que simplemente aman el arte. Aunque el entendimiento puede diferir, este depende exclusivamente de la personalidad y no nacionalidad. El privilegio del arte consiste en que este es el gobierno de los gobiernos, donde la nación son los ciudadanos del arte. Pero no cualquier arte, desde luego. Aunque el arte visual, al que nos dedicamos nosotros se comprende en todas partes.

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En sus obras, suelen a menudo comparar los estilos de las diferentes épocas, que literalmente tratan sobre los temas de actualidad. ¿Con qué propósito recurren a dicha técnica?

Siempre nos ha interesado lo que cambia en la sociedad y las personas, en qué nos diferenciamos de las personas, por ejemplo, de los siglos X o XIX, y qué aspectos compartimos con ellos. Por lo tanto para nosotros la historia y la historia del arte son una sola secuencia. No diferenciamos las artes modernas y las no modernas. Asimismo, no nos importa tanto inspirarnos en, por ejemplo, Caravaggio, a quien por cierto admiramos. Podemos inspirarnos en los vídeojuegos, porque si se fija más detalladamente en ellos podrá apreciar la influencia de los antiguos maestros, imágenes de batallas y paisajes.

La desolación de la unión y la lucha de los contrarios de la actualidad atraviesa sus creaciones con un hilo rojo. Es más, incluso parece como si provocaseis nuevos enfrentamientos, cuéntenos, por qué les atrae tanto este tema.

No provocamos confrontaciones, sino que abogamos por la discusión de los problemas. Es parecido al psicoanálisis. Para avanzar en la solución de un problema, primero hay que sacarlo a la luz, revelarlo y discutirlo. Por una parte, el no hablar de los problemas hasta cierto punto, puede ayudar a la sociedad. Pero por otro lado, el problema sigue sin ser resuelto y sigue viviendo en las profundidades, la gente no puede expresar sus sentimientos, dudas, temores e intereses. Así que finalmente, la falta de diálogo exacerba dicho problema. Por ejemplo, en las exposiciones del “Proyecto islámico” hubo un amigable intercambio de opiniones. A pesar de que la gente comenzaba con declaraciones y debates de forma exaltada, pero paulatinamente llegaban a la idea de que aquí y ahora son capaces de expresar pacíficamente sus opiniones y escuchar las de otras personas, y así comprender, por ejemplo, que algunos de nuestros temores son exagerados. En cuanto la gente comienza a hablar, y no pelear, los problemas se resuelven fácilmente. El arte, en general, no puede provocar un conflicto. Ya que no hay un solo ejemplo en la historia de una guerra que haya comenzado por artistas, sino no políticos. Los artistas tan solo se limitan a captar y reflejar lo que hacen los demás.

Entonces, ¿se limitan a sacar el problema a la superficie?

Alguien tiene que hacerlo. Si todos solo van a aparentar que no hay problema y seguir viviendo con la boca cerrada, es poco probable que esto desemboque en algo bueno. Por ello hemos creado en el territorio del arte una especie de “punto”, en el que las personas no pueden no reaccionar y quedarse calladas. Exageramos los problemas y los llevamos a lo absurdo. Somos los artistas de algo grotesco. Puesto que después de todo somos artistas rusos, y Rusia es un país muy exagerado, donde las tendencias mundiales y problemas adquieren características tragicómicas.

¿No temen que sus trabajos puedan asustar a algunas personas e incluso ofenderlas?

Para cada artista la felicidad consiste en obtener alguna reacción fuerte a su trabajo. El arte que se hace con miedo no se puede llamar franco y sincero. Naturalmente nos damos cuenta de que las personas reaccionan de maneras distintas a nuestros proyectos, pero no tenemos ningún pavor.

¿Y qué puede decir sobre la crítica negativa?

Para nosotros la crítica es como el tiempo. Por ejemplo, hoy es un día soleado, aunque puede nublarse, y entonces lloverá y habrá truenos, pero después volverá a salir el sol… Lo importante no es la crítica negativa o positiva, sino de quien procede y, por supuesto, su contenido. A veces precisamente la crítica negativa procedente de determinados personajes resulta extremadamente positiva.

En la Bienal de Venecia del año pasado presentaron su proyecto Inverso Mundus con el que justo vinieron a Barcelona. Por favor, háblenos acerca de este proyecto.

Inverso Mundus se traduce como mundo al revés. La trama del proyecto se basa en el tradicional género de los grabados europeos populares, en los que se representaban muchas escenas donde todo cambiaba de lugares y roles. Es una especie de elemento de la cultura de carnaval baja. Por ejemplo, había tramas en las que se veía un hombre cargando un burro, un pez pescando al pescador, un cerdo destripando al charcutero o un mendigo en harapos dando limosna a un hombre rico. Nos ha parecido que vivimos en un mundo donde cambian rápidamente los valores y el orden de las cosas, y a veces este mundo invertido se hace realidad, y es el mundo en el que vivimos. Hemos hecho una versión moderna de las tradicionales historias de estos grabados medievales, nuestro comentario sobre el mundo actual.

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¿Es esta su primera exposición en Barcelona?

La segunda, pero con una gran diferencia temporal. Hemos regresado a Barcelona 14 años después de nuestra primera exposición. Estuvimos aquí con una exposición individual en el año 2002 en La Caixa Foundation con el “Proyecto islámico”, el cual mencionamos más arriba. Entonces incluso hicimos la estilizada Sagrada Familia de Gaudí… Y aquí estamos otra vez.

¿Y por qué eligieron esta ciudad mediterránea?

Nos ha invitado la galería Senda. Pero si hablamos de la ciudad, Barcelona es ideal, y la ciudad más bonita del mundo. Aquí hay de todo, desde el arte de la Edad Media hasta el modernismo. No solo hay una arquitectura magnífica, sino también mar y montaña. Ciertamente no es nuestra segunda exposición en España. Por ejemplo, hemos trabajado durante muchos años con la galería de Salvador Díaz en Madrid y presentamos nuestros proyectos en el museo Domus Artium 2002 de Salamanca. Y esta exposición es la continuación de nuestra historia española. Tenemos muchos admiradores aquí, algunos de nuestros trabajos incluso los guarda el gobierno de Madrid.

Y última pregunta. ¿Qué es para ustedes la belleza?

La belleza es una de las categorías más difíciles en el arte. Siempre es interesante trabajar con la categoría de una imagen bonita. Pero no muchos artistas contemporáneos se atreven a trabajar con la belleza. Hay que tener una especie de osadía interna. Y al mismo tiempo, siempre nos ha interesado la delicada línea entre la belleza y la fealdad. Puesto que la belleza no existe sin su opuesto. Podemos decir que la belleza es parte de nuestro lenguaje artístico que utilizamos para expresar sus interpretaciones contrarias.

Текст / Texto: Ирина Ступченко / Irina Stupchenko

Фото / Foto: Архив пресс-службы AES+F / Archivo de prensa de AES+F